Entrevista a Catalina Estrada, ilustradora

El diseño y sus diseñadores se suelen caracterizar por aportar un «algo» diferente a los productos o imágenes que crean. Generan un valor diferenciador que transmite sensaciones y emociones sobre los receptores. Catalina Estrada (Colombia, 1974), aporta ese valor desde una utilización sublime del color y las texturas en sus trabajos, convirtiéndose en verdaderas piezas de arte.

La ilustradora es una fiel defensora de sus raíces, una amante incondicional de la naturaleza, apasionada de los colores y fascinada por las texturas, los detalles, y la creación de formas que desembocan en imágenes de gran belleza. Bajo la inspiración de la naturaleza, crea formas sofisticadas y a veces caleidoscópicas contenidas a modo de mosaicos coloridos y florales, generando así un lenguaje visual propio, de carácter alegre y optimista, que no pasa nada desapercibido por esa explosión de miles de colores y con todo el poder de la flora a su alcance.

Sus trabajos están vinculados con el mundo de la publicidad, del libro, del diseño industrial o de la moda, creando formas y colores para marcas como Coca-Cola, Microsoft, Camper, Nike, Levis, Mercedes Benz, Paulo Coelho, o Unicef, entre otros. También realiza sus propios productos como bolsos, papel de pared, ropa de cama, cojines y muchos otros, que conforman una marca personal cautivadora y muy optimista.

¿Cuándo y cómo surge su interés por el dibujo?, ¿cómo fueron sus comienzos en la profesión?
Desde que puedo recordar, siempre me gustó dibujar. Así que tenía en mente estudiar arte pero una prima mayor entró a la carrera de Diseño Gráfico y me antojé. Me inscribí y me gradué de la UPB en Medellín. De ahí, en el año 1999 viajé a Barcelona, y para mantenerme conectada con mi país me ofrecí como voluntaria para trabajar en proyectos sociales que necesitaban un poco de imagen para poder conectar mejor con la gente. Hice algunas ilustraciones para ellos y luego me sirvieron como carta de presentación para publicar en revistas y blogs. A partir de entonces empecé a recibir pedidos de diferentes revistas y clientes, pero nunca pensé que la ilustración era algo de lo que se podía vivir.

¿Qué significa para usted la palabra «ilustradora»?
Ilustrar es dar luz, es iluminar, es dar forma y color a las palabras, a los textos, a las emociones.

¿Qué requisitos considera necesarios para ser un buen ilustrador?
Ser un buen oyente, buen lector (de emociones y de necesidades de el cliente o de quién requiera tus servicios) ser un buen comunicador visual.

¿Tiene ilustradores de referencia que puedan llegar a inspirarle? ¿Quiénes son?
¡Muchos! Por destacar algunos: PowerPaola, Yuko Shimizu, Laura Varsky, Cristian Montenegro, Leo Castelao, Deborah, Stein, Hanoch Piven, Miguel Gallardo, Ana Maria Velasquez, Ana Perez Lopez, Olimpia Zagnioli, Mar Hernandez, Maria Elina Mendez, Javier Jaé, y muchos más.

El dibujo debe servir para…
como el arte mismo, es un puente que sirve para conectarnos sin necesidad de palabras, sin importar el lenguaje o la distancia, desde las entrañas y llegar directo al corazón de las persona.

Una ilustración nunca debe prescindir de…
Fuerza.

«El dibujo es un puente que sirve para conectarnos sin necesidad de palabras, sin importar el lenguaje o la distancia»

Su trabajo se caracteriza por utilizar como inspiración la naturaleza. ¿Por qué?
Porque la naturaleza es mi fuente inagotable de ilustración, nací y crecí en medio de ella. La naturaleza es mi refugio, es mi lugar sagrado, es mi paz.

El color predomina en su estilo. ¿La elección de un color es un elemento importante para transmitir conceptos?, ¿cuál es su criterio a la hora de poner un color u otro, en un proyecto?
Para mi el color es algo muy intuitivo que llevo en mi sangre, no tengo un criterio o un método específico a la hora de aplicarlo, es algo que simplemente fluye. Yo crecí en una casa de mil colores, donde mi madre decidía cada tanto pintar cada pared de la casa de un color diferente. Mi hermano y yo podíamos escoger los colores para nuestra habitación. Crecimos en una democracia cromática. De mi madre aprendí a no tener miedo a los colores y a buscarlos siempre en todos los lugares a donde fuera. Son para mí tan importantes como las formas, porque transmiten emociones, conceptos, sensaciones. Los colores son un lenguaje en sí mismos.

¿El estilo es algo que se elige, o se llega a el?
El estilo es algo que se construye en la medida en que uno se va conociendo a si mismo.

¿Ilustrar es arte?
Para mí sí.  Para mí es un arte al servicio de la gente.

¿Qué es lo que más le cuesta dibujar?
Personas.

¿Qué no soporta ver en un dibujo?
No me viene nada en la cabeza, ya que todo depende del contexto en que se encuentre.

¿En dónde podemos encontrar la belleza de una ilustración?
En la fuerza con que nos mueve.

Tiene ya una trayectoria amplia en publicidad, diseño editorial, industrial o la moda. ¿Hay algún trabajo del que se sienta más orgullosa?
Diría que todos los de carácter social, sobre todo mi proyecto en colaboración con el «Laboratorio del Espíritu» que es una biblioteca rural en medio de las montañas de Antioquia, una zona que estuvo muy golpeada por la violencia. Para ellos hago ilustraciones inspiradas en las poesías que escriben los niños campesinos y producimos pañuelos solidarios para generar recursos que van directamente a la Biblioteca. Estas ilustraciones y estos pañuelos sirven como vehículo para darle más fuerza y más vuelo a la voz de los niños, para que suenen más alto y lleguen más lejos. Ese proyecto me llena de un orgullo que no puedo explicar con palabras.

«Los estampados son como música, donde el color y las formas marcan el ritmo y el paso del baile»

A la hora de abordar los procesos creativos, ¿cómo son?, ¿hay diferencia cuándo se enfrenta a un diseño para un libro frente a un diseño textil?
Yo no me especializo en ilustracion editorial, soy más diseñadora de estampados y decoradora visual que otra cosa. Para mí los estampados son como música, donde el color y las formas marcan el ritmo y el paso del baile. Cada proyecto trae su propio proceso, y sus propios detonadores creativos.

¿Cuál es su mayor satisfacción cuando termina un proyecto?
Que tanto yo como el cliente quedemos contentos con el resultado.

¿Qué herramientas de trabajo utiliza para componer sus ilustraciones? ¿Prefiere, técnicas tradicionales o digitales?
Ambas, pero generalmente el resultado es digital porque me permite fácilmente cambios de color, de escala, de composición. Suelo trabajar en Adobe Illustrator, un poquito de Photoshop, a veces también uso el iPad (Adobe Draw y Procreate).

¿Se arrepiente de haber hecho alguna ilustración que se haya publicado?
No. No me arrepiento de ninguna. Por suerte.

En su haber tiene grandes clientes de fama internacional que confían en su trabajo. ¿Qué hace cuando el cliente dice sencillamente «no me gusta»? ¿Cómo debe ser el vínculo entre un ilustrador y el cliente?
No me ha pasado, por lo general cuando me hacen un brief, pido al cliente que sea lo más específico en cuanto a estética, que me envíe referentes de mi propio trabajo que le gusten por color, por composición, por formas, por estética en general. A partir de ahí podemos hacer cambios obviamente, pero cuando un cliente viene a mí es porque ya de entrada le gusta mi trabajo, el hecho de tener un lenguaje tan definido ya te da una ventaja a la hora de entregar. Y el vínculo debe ser lo más sincero y honesto posible. Yo soy muy flexible a la hora de cambios pero antes de empezar invito mucho en aclarar al máximo posible las expectativas estéticas del cliente para saber a dónde dirigirme en el momento creativo.

Parte de su trabajo se ha publicado en ediciones de editoriales como Taschen, que destacan el trabajo de la ilustración. ¿Qué supone para usted y su trabajo que la seleccionen personas de la talla como Steven Heller y Julius Wiedermann?
Ha sido un gran privilegio, ellos junto con DGV han sido mis «padrinos» por así decirlo. Gracias a estas publicaciones se han acercado a mí clientes que nunca imaginé que me buscarían.

¿En una sociedad como la actual en que todo es imagen, debería estar más reconocida la labor de los ilustradores por parte de esta? ¿Qué papel juega la ilustración en la cultura visual actual?
Yo creo que la labor de los ilustradores está cada vez más reconocida, en la medida en que la ilustración conecta con el público por vías diferentes, a través de la imagen, los colores, la imaginación.

¿Cómo ve España en cuanto a ilustración y a sus ilustradores e ilustradoras?
Hay gente muy talentosa en todos los ámbitos tanto editorial, institucional, producto. Creo que en España se maneja un excelente nivel.

Para terminar, ¿qué libro o libros recomendaría leer a todo ilustrador?
«El Camino del Artista» y «Roba como un Artista».