“SIN UNA CERCANÍA DESDE EL SENTIMIENTO Y LA EMOCIÓN LA FOTOGRAFÍA SE HACE FRÍA, DISTANTE”.
Juan Manuel Castro Prieto (Madrid, 1958) se inició en la fotografía de manera autodidacta, Economista de formación, su vinculación con la fotografía comienza en 1977. A comienzos de los años ochenta, ingresa en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones. En el presente año que está llegando a su fin ha sido galardonado con el Premio Nacional de Fotografía. Un reconocimiento de la sociedad a las personas como recompensa a la meritoria labor del galardonado, que con su creación artística contribuye al enriquecimiento del patrimonio cultural de España. El jurado ha reconocido “su notable aportación a la fotografía española en su contenido y estética”. “Juan Manuel Castro Prieto ha innovado y transformado el lenguaje fotográfico tradicional, desde una perspectiva personal. Logra construir imágenes que exploran las huellas latentes de la memoria. Su obra subraya aspectos oníricos y literarios de la vida cotidiana y escenarios lejanos, creando un universo propio y original”.
¿Qué le supone el Premio Nacional de Fotografía?
Una gran tranquilidad, al saber que tu trabajo es valorado
El jurado ha reconocido “su notable aportación a la fotografía española en su contenido y estética”. ¿Existe un estilo? ¿Cómo se consigue que una foto sea distinta, especial?
No soy yo quien debe decir si tengo un estilo propio. Me imagino que habrá personas que verán la unión entre todos mis trabajos y otros que no verán nada. La única manera que yo creo se puede tener un estilo propio es seguir tus propios sentimientos, dejar fluir honestamente tu narración. Hay que conocer bien la historia del lenguaje fotográfico, pero no dejarse arrastrar por las tendencias dominantes de cada momento. Esto obliga a un equilibrio difícil.
¿Cómo llegó a la fotografía?
De forma autodidacta, aprendí viendo libros exposiciones y revistas, también intercambiando con mis compañeros de la Real Sociedad de Madrid. Desde niño soñaba con hacer fotografías, pero no tenía cámara ni dinero. En nuestra habitación había un pequeño agujero en la puerta y, en la oscuridad, se formaba una “cámara oscura”. Veía pasar a las personas de la calle pero al revés, “cabeza abajo” era fascinante.
Fotógrafo de muchos otros fotógrafos, durante mucho tiempo fue conocido por ser el positivador de obras de los también Premios Nacional de Fotografía Chema Madoz, Alberto García-Alix o Cristina García Rodero, entre otros. ¿Cómo fue esta experiencia?.¿Sigue positivando?
Todas esas personas, además de unos fotógrafos extraordinarios, son mis amigos y seguimos colaborando. Cada vez paso menos tiempo en el laboratorio, por la aparición de lo digital, pero también porque ya trabajo poco en blanco y negro. Pero sigo, sigo.
¿Se acuerda de la primera cámara que utilizó cuando empezó a fotografiar?
Sí, era una Yashica GSN electro 35, de mi hermana. Una cámara compacta pequeña pero con una gran mecánica y una óptica fantástica. Mi primera fotografía digna en un rollo de diapositivas Kodachrome 64 fue un retrato de mi abuelo con un tiempo de exposición muy largo.
¿Qué tipo de cámara utiliza? ¿Qué objetivo?
Utilizo varias cámaras, de varios formatos y de distintas tecnologías. Digitales, analógicas, polaroid, cámara de fuelle de gran formato, Iphone…. La cámara que utilizo más es la Ebony 20×25, de placas, como las viejas cámaras de fuelle, pero modernas. Objetivos, normalmente dos: normal y un angular no muy marcado.
¿Cómo sabe qué necesita fotografiar? ¿Tiene total libertad?
A partir de un concepto base desarrollo un proyecto, por lo que sé bastante bien lo que busco; aunque en ocasiones me dejo llevar por la intuición. En mis trabajos personales tengo libertad absoluta. En las “cartas blancas” te suelen obligar a que el protagonista sea el lugar aunque puedas hacer lo que quieras. Y en los encargos pagados te suelen marcar límites a tu creatividad.. Obviamente lo que más me interesa son los trabajos personales.
¿Cuáles son sus fuentes de inspiración e influencia?
Mi fuente fundamental de inspiración es la literatura. Más que de influencia yo hablaría de referentes, sobretodo en los primeros tiempos. Después, a la par que maduras, te vas separando de tus referentes. En mi caso, mis referentes fueron Ramón Masats, Paco Gómez, Cualladó, Martín Chambi y Robert Frank.
¿Qué requisitos considera necesarios para ser un buen fotógrafo?
Sensibilidad.
Talento.
Ser observador.
Disciplina.
Conocimiento de la historia de la Fotografía.
Conocimiento de la técnica fotográfica.
Pasión.
Cuéntenos el proceso creativo que lleva a cabo a la hora de realizar un proyecto.
Idea.
Desarrollo conceptual.
Planteamientos técnicos y logísticos.
La toma de las fotografías.
Estudio de resultados y establecimiento de las líneas de trabajo.
Desarrollo del proyecto. Hay que estar abierto a las nuevas vertientes que puedas encontrar.
Elección y edición del material.
Dar forma al proyecto en soporte libro, exposición, libro de artista, etc…
Ha visitado países como Francia, Bélgica, Italia, Guatemala, Bolivia, Ecuador y Perú. ¿Qué le decidió a visitar estos países? ¿Cómo valora dónde puede estar la foto o la historia más interesante?
Y Etiopía, Mexico, Vanuatu, Indonesia, Rusia, Chile, Marruecos, Mozambique, La India, etc… Cada país tiene un motivo; a veces es histórico, como en Etiopía; en otros casos, personal, como Perú o la India; y en otros es un encargo de una revista o periódico.
¿Por qué le marco tanto el viaje a Perú en donde realizó la serie “Perú, viaje al sol”, una obra en la que tiene como reto conciliar fantasía y realidad?
Perú siempre fue el país que quería visitar desde niño. Quizás fue tras leer los cómics de Tintín ( Las 7 bolas de cristal, El templo del sol y La oreja rota), que me produjeron una fascinación por ese mundo. Pero, además, el fotógrafo que siempre tuve como ejemplo desde que vi sus fotografías era Martín Chambi. En el año 1990 se juntaron dos grandes sueños y comienza la aventura en Perú, que aún continúa. De ahí que haya tanta fantasía en mi trabajo en Perú porque se entremezcla continuamente la magia y los sueños.
“ME ARREPIENTO DE MUCHAS FOTOGRAFÍAS QUE PUDE HABER HECHO Y NO HICE, POR COBARDÍA, CORTEDAD, ORGULLO O PEREZA”.
¿Cómo es el proceso de selección de las imágenes?
Es un proceso largo y duro, porque tienes que dejar fuera imágenes llenas de recuerdos de vida. Hago una selección primera con un número de, al menos, el doble de las necesarias. Se imprimen en pequeño formato y las extiendo sobre una mesa muy grande. Si es para el libro las uno por parejas. Finalmente se le da un ritmo narrativo y se eliminan las que sobren. Normalmente me ayudan mis colaboradores íntimos pues las fotografías están cargadas de vivencias y pueden adulterar mi proceso de selección.
De los trabajos que ha realizado como fotógrafo ¿tiene alguno del que se sienta más orgulloso?
De mis trabajos personales “Extraños”, y la continuación: “Caín” son los más autobiográficos y los más esclarecedores del sentido que une mi trabajo total. “Perú, viaje al Sol” es el trabajo más gozoso, el que más satisfacciones me ha ofrecido. “Cespedosa”, es el más largo desarrollo en el tiempo y, posiblemente, uno de los más importantes, pues habla de mis raíces profundas y recorre toda mi trayectoria. es un proyecto de un tamaño descomunal pues son 38 años trabajando en él.
¿Cuál es el límite ético de la publicación de una foto?
Cada quien tiene sus límites éticos. En mi caso cuando la fotografía ofenda la dignidad de las personas.
¿Se arrepiente de haber hecho alguna foto?
Me arrepiento de muchas fotografías que pude haber hecho y no hice, por cobardía, cortedad, orgullo o pereza.
¿Qué opina de la contraposición entre fotografía documental y la artística?
No veo que tengan que estar contrapuestas. Este es un tema recurrente, y casi siempre traído por los que detestan la fotografía documental. He visto trabajos documentales de una poesía, magia y sensibilidad que nadie podría discutir que es arte. Y también he visto trabajos que utilizaban la fotografía como soporte y declarados arte que me han parecido puro artificio, basura visual. De cualquier forma, el fotógrafo, que tome fotos y luego el que sea arte o no que lo digan los espectadores.
¿Sería capaz de dar una definición de ese momento en que pulsa el disparador?
Yo hablaría del momento extraordinario en que la fotografía se va formando en el visor de la cámara, donde confluye todo, como una sinfonía. Con la cámara 20×25 es una experiencia mágica. Siempre hablando de una fotografía buena.
En su obra combina color y blanco y negro ¿qué diferencia hay? ¿Qué busca transmitir al espectador?
La diferencia, obviamente, es plástica; pero también conceptual. El blanco y negro, al eliminar el color, elimina elementos que pueden distraer al espectador, es una forma de lenguaje más directa y atemporal. El color, por contra, te permite plasmar estados de ánimo, atmósferas, a través de la temperatura de color.
Dijo Robert Capa que si tus fotos no son suficientemente buenas es porque no estás suficientemente cerca. ¿Además de la cercanía física debe existir una emocional?
Sin duda, y además es más importante. Sin una cercanía desde el sentimiento y la emoción la Fotografía se hace fría, distante.
¿La fotografía es un arte?
Para mi sí; pero no es un tema que me preocupe, en absoluto. Para mi la fotografía es una forma de vida maravillosa y todo lo que venga después será bienvenido pero no será lo más importante.
En sus años de carrera ¿qué es lo que más destacaría de la fotografía?
Es la forma de vida más maravillosa y plena y te permite conocer a gentes extraordinarias.
¿Qué cualidad valora más en un fotógrafo?
Obviamente que sea capaz de trasmitir de buena forma sentimientos y sensaciones.
¿Utiliza Photoshop? ¿Cree que este programa ayuda o perjudica a la fotografía?
Sí, claro que lo utilizo, principalmente en color. Es un programa fantástico y casi imprescindible hoy en día, incluso para los que trabajan con película. El problema, como siempre, es del mal uso, cuando se crea una artificiosidad innecesaria, se hacen unos colores estridentes, se abusa del contraste, etc…
Colabora para medios extranjeros como Le Figaro, Le Monde o L’Expresso. ¿Qué opina sobre el periodismo actual?
Lo mío, más que periodismo es fotografía; pero observo que las nuevas tecnologías y el acceso online a toda la información está destrozando la prensa. No soy un experto pero creo que una posible solución, al menos en la parte de la fotografía, es profundizar más en los contenidos, que la opinión y el análisis del periodista y el fotógrafo aporten una información fundamental.
¿Cómo ve la relación del fotógrafo con los medios españoles? ¿Cree que se trata bien actualmente al fotógrafo por parte de los medios gráficos?
Ha mejorado mucho. Antiguamente el fotógrafo era el personaje secundario, a las órdenes del periodista. Y la valoración de las fotografías era, en consecuencia, miserable, en muchos casos ni se ponía el nombre del autor, no era importante. Esto ha cambiado y mucho. Las grandes agencias buscan a fotógrafos que sean capaces de dar una visión personal, propia, que añada contenido y fiabilidad al reportaje.
Auth Spirith es un espacio abierto a la imaginación y la creatividad, para compartir vivencias y experiencias con los mayores autores de la fotografía, el arte o la cultura ¿cómo surgió y por qué esta idea?
En estos momentos hay más afición que nunca a la fotografía, nunca había visto tanta ilusión e interés por el lenguaje fotográfico. La intención de Auth’Spirit es aproximar a esa inmensa masa de fotógrafos a los grandes creadores fotográficos, pero también a personas que desde otros lenguajes creativos se hayan acercado a la Fotografía. Para ello hemos celebrado decenas de encuentros en nuestra sede, organizando talleres, seminarios y viajes acompañados de grandes fotógrafos a países que han marcado su obra. Actualmente estamos ayudando a la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes a organizar los Talleres de fotografía de Tabacalera.
En Auth Spirit también realizan los llamadas libros de artista ¿Qué opinión tiene de esta forma de libro? ¿Es un nuevo coleccionismo?
El libro de artista ha existido toda la vida, pero en los últimos años se ha convertido en una forma extraordinaria de mostrar la obra del fotógrafo. Pueden ser pequeñas obras de arte, todo depende de a sensibilidad y el talento de los autores. Desde Auth’Spirit ayudamos a llevar a cabo estos proyectos mediante apoyo técnico.
¿Cree que el libro tal como lo conocemos hoy desaparecerá?
No es fácil, porque la forma del libro nos ofrece unas sensaciones que no pueden trasmitir otros soportes como el libro electrónico, la Web, etc…tiene una magia y una poesía que todavía mucha gente valora. Pero me imagino que se convertirá en algo muy complicado de sacar adelante.
Háblenos de su último proyecto si no me equivoco “Cespedosa”.
Cespedosa es mi primer proyecto y también el penúltimo, pues recorre toda mi trayectoria. Allí hice mis primeras fotografías y allí he vuelto una y otra vez a lo largo de estos 38 años. Es un trabajo en el que voy recogiendo todo aquello que conforma mi memoria personal, así como la de mis padres. Interiores cargados de recuerdos, paisajes que han dado forma a mi carácter, una búsqueda de los porqués; pero también un mosaico nostálgico de lo que fue y ya no es, un homenaje a los que ya no están y una comunicación emocional con los que siguen allí. Como ya he dicho antes es mi proyecto más profundo a nivel emocional.
Para terminar, un consejo para aquellos fotógrafos que se están iniciando en el mundo de la fotografía.
La vida del fotógrafo es de las más hermosas e intensas que hay. Dos consejos muy cortos: vivir la fotografía con pasión; y lo que contemos, contarlo con honestidad.
