Entrevista a Juanjo Sáez, ilustrador

Entrevista a Juanjo Sáez, ilustrador

Publicado por el nov 10, 2016

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“El diseño puede ser arte si es algo personal, si da una nueva visión de la realidad, si habla de su tiempo, si emociona…”

Los dibujos y textos de Juanjo Sáez (Barcelona, 1972) se caracterizan por ser transmisores de una mente que busca decir lo que piensa, a través de una aparente estética infantil y con un recelo provocado desde los inicios de su carrera artística, se atreve sin cortapisas a usar la primera persona para decir siempre lo que le da la gana en cada una de sus historias ilustradas. Este dibujante-guionista-historietista asume con gracia y sin tapujos el egocentrismo que recorre su obra compartiendo sus pensamientos e inquietudes gráficas. Sus colaboraciones en prensa, han sido el origen de libros como Crisis de ansiedad (Penguin Random House, 2013), y Hit emocional (Sexto Piso, 2015). Es el creador de la serie de animación para televisión Arròs covat / Arroz pasado, en la que se cuentan con lucidez y humor las aventuras y desventuras de un joven treintañero. La serie cosechó un gran éxito de público y de crítica recibiendo por el trabajo el premio Ondas en España en 2010 y el premio Expotoons en Argentina. El guión gráfico de la serie se publicó también en formato libro (Arroz pasado, Random House, 2010). Actualmente Astiberri  ha reeditado su obra de éxito El arte. Conversaciones imaginarias con mi madre -que cumple 10 años desde su primera publicación- en una nueva edición especial ampliada. Hablamos con él de su obra y sobre lo que piensa del arte.

David Hockney comentó que siempre ha tenido la urgencia por pintar, cree que el ser humano desde que es niño tiene una urgencia y esa es la de pintar. ¿Le ocurre esto a usted? ¿Está de acuerdo?
Mi urgencia es la de comunicar pero pintar es comunicar a fin de cuentas. Así que efectivamente estoy de acuerdo con Hockney de hecho es uno de mis artistas preferidos que injustamente no sale en el libro. Para mi es el Picasso Pop y edonista. Tiene la misma energia que Picasso pero en feliz.

¿La capacidad de dibujar se tiene o se adquiere?
Creo que la capacidad para dibujar la tiene todo el mundo. Siempre digo que la diferecia entre los dibujantes y las otras personas es que nosotros cuando nos hicimos mayores no lo dejamos. No creo que sea nada especial, todos los niños dibujan y juegan así, igual para nosotros es una forma de no crecer.

¿Cuándo y cómo surge su interés por el dibujo?
Como decía antes no surge en ningún momento especial. Nace como en todos los niños, no se a que edad, desde siempre.

¿Qué requisitos considera necesarios para ser un buen dibujante? ¿Qué debe transmitir un dibujo?
Un dibujo creo que se debe ajustar al mensaje que uno quiere transmitir, para mi el dibujo ha de ser funcional y en su funcionalidad también está su belleza. Para ser buen dibujante creo que hay que tener los mismos requisitos que para ser un buen poeta, artista, diseñador…uno, tener algo que contar y dos, ser una persona sensible, es decir, tener una percepción especial o personal de lo que le rodea. Algo de técnica también es necesario y el conocimiento de los materiales, pero eso lo da la propia práctica y el tiempo. Si uno tiene esa necesidad de contar algo, la necesidad de hacerlo te da la paciencia y la insistencia en el tiempo como para adquirir la técnica necesaria.

 

“Hago tebeos entre otras cosas porque es un medio mucho más popular y asequible.”

 

El arte debe transmitir….
Una visión propia de la realidad, nuevos enfoques de lo mismo, una sensibilidad propia. Creo que nos debe hablar del individuo, de su tiempo y de su entorno.  Y sobre todo debe ser capaz de emocionar al espectador.

¿Todo dibujo es arte?
No, claro. Por ejemplo hay dibujos que simplemente son representativos, como los planos del Ikea, o dibujos que sirven como herramienta para otro proceso posterior. Esta claro que no.

¿Y el diseño, es arte?
Puede serlo claro que si, si es algo personal, si da una nueva visión de la realidad, si habla de su tiempo, si emociona…

En su obra “El Arte. Conversaciones imaginarias con mi madre” califica el arte como un “tesoro” al que los intelectuales no dejan acceder a los demás ¿por qué?
Porque el arte es algo precioso que ha nacido ya con la voluntad de ser compartido y disfrutado. Y tantos años de crítica y teoría han logrado distanciar al espectador casual porque tiene la creencia que para saberlo entender hay que tener muchos conocimientos al respecto, cuando en realidad el arte se puede disfrutar simplemente a través de la emoción igual que otras disciplinas artísticas como la música o el cine. Si es capaz de emocionar el conocimiento nos pude ayudar a profundizar más en ello y llegar a otros niveles de comprensión, pero si no emociona dificilmente uno va a entrar. Es como disfrutar de una película y a raíz de eso descubrir quién es el director y qué otras películas ha hecho..etc.

 

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El arte actual ¿es cercano al espectador?
También hay que decir que los artistas cada vez trabajan menos para el espectador y mas para los coleccionistas e instituciones. Han de pagar sus facturas y el artista que consigue vivir de ello principalmente trabaja para ir a ferias y para vender. El público medio o casual no mueve nada. Ese es uno de los motivos por los que hago tebeos entre otras cosas porque es un medio mucho más popular y asequible. A mi sobre todo me interesa llegar al gran público y no a una élite.

Ha pasado por el mundo de la publicidad, revistas y prensa diaria ¿Cómo fue esa experiencia? ¿Ha influido en su trabajo actual?
Todo influye, me gusta trabajar por encargo porque me saca de mi zona de confort y me obliga a hacer cosas que nunca haría y que por lo tanto me permite aprender y con lo aprendido, luego puedo usarlo en trabajos más personales. No distingo demasiado entre una cosa y otra, creo que todo forma parte de mi trabajo.

Tiene un estilo muy definido, sencillo y expresivo de gran alcance visual. ¿Cómo llegó a el?
Trabajando y quitando más que añadiendo. Nunca he pensado en mi estilo más alla de mi forma de ser. Intento ser coherente con mi carácter y no ser quien no soy. Mi estilo es fruto de mi forma de trabajar. Soy impaciente y vago y eso da el resultado que da.

En algunas de sus obras ¿por qué no dibuja los detalles en las caras?
Por lo que comentaba antes, por llegar a una mayor simplicidad, y por empatizar con el lector. Creo que es más sencillo que cada persona complete al personaje con los rasgos que más le encajen en su mente. Nuestra mente tiende siempre a completar las cosas de la mejor manera que cree y de forma perfecta para nosotros mismos. Para mi también forma parte de un juego, incluso algunas veces ha habido personas que han creído que determinados personajes que he hecho son gente que ellos conocen y nada más remoto de eso. La típica frase…Xavi Masdeu es el tal ¿no? Y yo no tener ni idea a que se refieren.

¿Cuál diría que es su mayor habilidad y cómo la ha ido perfeccionando a través de los años?
La creatividad. Y eso se perfecciona trabajando, haciendo gimnasia con la mente, no tiene mayor secreto.

 

“Nunca he pensado en mi estilo más allá de mi forma de ser.”

 

Cuéntenos el proceso de elaboración de su trabajo, desde la aparición de esa primera idea o propósito pasando por la forma y la estructura hasta llegar a la finalización.
No tengo método, las ideas surgen no sé de donde y como mucho intento simplificarlas y entenderlas yo mismo, y luego dibujo lo necesario para que se entienda lo mejor posible. Cuando hago un libro es otro proceso más largo pero en el fondo es parecido. Suelo pensarlo todo bastante bien y luego lo intento plasmar lo más rápido y mejor posible. Pero no suelo rectificar demasiado ni borrar nada, me gusta que quede tal cual.

Sus obras, en su mayoría, se componen de un toque de humor ¿Qué es para usted el humor y que importancia puede llegar a tener en una historia o en un dibujo?
El humor es una forma de empatizar con el espectador, de decir cosas con ingenio, de ser original, de caer bien… no se tiene tanto de misterio. Creo que el humor hace más llevadera la narración también. Es el azúcar del café.

¿Qué busca transmitir al lector cuando cuenta una historia, y qué cree que es lo más importante para generar un interés en ese posible lector?
Creo que lo más importante es la emoción y la empatia. Todo eso contando algo de interés claro está.

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¿Qué es lo más importante, el dibujo o la historia que se va a contar?
Para mi la historia, el dibujo por el dibujo no me interesa demasiado, no soy un buen dibujante como para eso. Un buen dibujo es poesía y es capaz de emocionar por si mismo, los míos son chistosos poco más.

En las últimas décadas ha habido un renacimiento del cómic ¿a qué cree que es debido? ¿Es más acertado hablar de cómic o novela gráfica? ¿Por qué?
El renacimiento del cómic creo que sobre todo ha sido porque los que crecimos leyendo tebeos ahora los hacemos y pasamos a hacer los tebeos que ahora nos gustaría leer. Nos hemos hecho mayores y el tebeo también. Por lo que sea nosotros hicimos el medio como algo natural en nosotros y decidimos comunicarnos con él, como algo propio. Podríamos haber elegido otros lenguajes pero para nosotros los tebeos son algo natural, prácticamente el primer lenguaje que aprendimos. Casi antes que leer ya nos mirábamos tebeos sin saber lo que ponía. El término Novela Gráfica fue útil y acertado en su momento, pero creo que ahora en la actualidad se queda un poco corto a lo que realmente es. Creo que sería mejor llamarle cómic de autor como el cine de autor. Se están haciendo todo tipo de obras desde la autoría que no son necesariamente novelas como en mi caso. Pero bueno, los términos sirven para aclararnos y con Novela Gráfica nos aclaramos.

¿El dibujo puede llegar a transformar la cultura visual?
Desde luego que si, el dibujo es la primera herramienta donde se gesta toda la cultura visual, es la base del lenguaje visual. Todo se puede dibujar primero.

¿En una sociedad como la actual en que todo es imagen, debería estar más reconocida la labor de los ilustradores y diseñadores por parte de esta? ¿Qué papel juega la ilustración y el diseño en la cultura visual actual?
Creo que está reconocida. No me siento marginado, como todo, creo que se podría tener más presencia en la sociedad pero también me parece que estamos bastante bien representados y que cumplimos nuestra función. No creo que haga falta un star system aunque haya dibujantes y diseñadores famosos. No es un tema que me preocupe demasiado, me limito a hacer lo mio y estoy muy feliz de poder trabajar de ello y de pagar mis facturas.

 

“El dibujo es la primera herramienta donde se gesta toda la cultura visual.”

 

¿Somos buenos los españoles en ilustración y diseño?
En España hay gente muy buena en todos los ámbitos, el problema es que la cultura siempre se ha mirado con desconfianza desde los gobiernos o como herramienta electoral, nunca ha habido un programa real para potenciar la cultura, ni a la industria cultural. En Francia el producto nacional es la cultura y se vende a todo el mundo y da dinero a los franceses, en España no. De hecho ¿cuál es nuestro producto nacional? ¿El sol? ¿El turismo? Ni eso porque hay 200 países que nos hacen la competencia. Pero retomando el tema, en España hemos sido líderes mundiales en el Arte desde las cuevas de Altamira pasando por Picasso y de ahí a la ilustración y el diseño. Desde un Mario Eskenazi a un Mariscal. Siempre hemos sido punteros pero sin apoyo ninguno. Somos gente que ha ido muy de por libre siempre.

¿Se arrepiente de haber hecho alguna ilustración que se ha publicado?
No, no soy tan importante como para eso.

¿En qué está trabajando actualmente?
Pues estamos en plena producción de una serie de animación para adultos titulada “Heavies Tiernos” para la TV de Cataluña, sigo trabajando en un nuevo libro, basado en cartas para mis seres queridos, llevamos la imagen de la compañía de telefonia low cost Lowi y estamos intentando levantar un proyecto de un largo metraje de animación basado en una historia de mi abuela. El ratito que me queda lo dedico a ser feliz con mi pareja y a dormir.

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Bienvenido al magnífico y excéntrico mundo del diseño gráfico, a la imaginación de la ilustración, a la puesta en escena de la fotografía, a la pincelada sutil del arte, a la grandiosidad de la arquitectura y todo ello relacionado y puesto en común en ese formato con obsolescencia programada, o no, que es el papel.Más sobre «Fahrenheit 451»

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