The Indian Queen, un teatro de la ópera que se abra como una magnolia

Publicado por el Nov 15, 2013

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La emoción se enfría. Y sin embargo, con The Indian Queen el Teatro Real ha vuelto a elevar el listón estético. Claro que esta vez, como dijo un crítico, no engañó a nadie. “Semiópera en cinco actos”. Compuesta en 1695, la versión que ha puesto en escena Peter Sellars no traiciona el espíritu de Henry Purcell. Al contrario, hace que todos los elementos escénicos (desde los bailarines hasta la escenografía de Gronk y las luces de James F. Ingalls) contribuyan a multiplicar una emoción que la música de Purcell potencia en quien quiera dejarse encandilar. Sin hacerlo abiertamente, esta Reina India plantea el sentido y la necesidad del arte, entronca con experiencias contemporáneas tan ambiciosas como la película El árbol de la vida y algo más alejadas como la Misa criolla (de un Osvaldo Golijov con el que Sellars ha trabajado en más de una ocasión), entiende como pocas el valor dramático y filosófico del silencio, y nos vuelve a encarar con Monteverdi y el origen de la ópera. La necesidad de descubrirse. En más de una ocasión, y a pesar de la inmensa caja del Real, tuve la sensación de encontrarme en medio de una cabaña en el bosque, en medio de la noche: el teatro como teatro de sombras, haciéndonos preguntas fundamentales y sencillas sobre nosotros, el mar inmenso, el otro, los choques brutales entre civilizaciones y lo que el conocimiento y el amor pueden o podrían labrar.

 

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Escribe Cao Pi (Chao Pi, Tsao Pi), que vivió entre los años 187 y 226:

 

«Me inclino para coger flores de orquídea

y alzo la mano para cortar una rama de casia.

Pero ¿para qué, si ella no viene?

¿Dónde estará? ¿Al otro lado del océano?

Oh, Dios del Mar, salúdale de mi parte

y llévale estas perlas como presente.

El sol enrojece el horizonte.

Desesperado, fijo la mirada

en la senda en lontananza.

Amor mío, venid deprisa,

que el día se nos acaba».

 

[Poesía china (Siglo XI a. C. – Siglo XX). Edición de Guojian Chen. Cátedra. Madrid, 2013]

 

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Recuerda Ramón Pérez de Ayala en El calafate y el loto (incluido en el precioso volumen Viajes. Crónicas e impresiones, que acaba de publicar la Fundación Banco Banco Santander en su colección ‘Obra fundamental’), donde, a cuenta de la Patagonia, evoca el mítico retorno de Ulises, cuando se encuentra con el extraño país «de los lotófagos o comedores de lotos. El forastero o náufrago que comía los lotos perdía la memoria del reto del mundo y se quedaba ya para siempre en aquel país». Esa era la esperanza que Teculihuatzin, doña Luisa, la reina indígena, trató de inculcar en la piel y en la mente de su amado conquistador, guerrero despiadado. Si en el libreto original de John Dryden se planteaba un inverosímil conflicto entre aztecas e incas, Sellars, con la ayuda de los recitados extraídos de la novela La niña blanca y los pájaros sin pies, de la escritora nicaragüense Rosario Aguilar, plantea una revisión de la conquista, con estereotipos y simplificaciones que provocaron la indignación de algunos espectadores. Pero en el conjunto del espectáculo me parece cuestión menor. Traslada Sellars el drama de la Reina India a su devoción por Don Pedro de Alvarado, señor de la guerra que sigue disfrutando de sus favores y encantos pese a convertirse en el victimario de sus hermanos indios. Ella cae una y otra vez en sus redes, enamorada, sumida en la contradicción de desear y amar a quien mata y destruye la casa de la que viene, la casa que le dio el ser.

 

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En Mi vida en el arte, que acaba de publicar Alba en una nueva edición, Konstantín Stanislavski recuerda que fue el propio Chéjov quien le señaló la línea de la intuición y del sentimiento. «Para descubrir la esencia interior de sus obras es necesario efectuar excavaciones en busca de sus honduras espirituales. Desde luego, cualquier obra de arte que esté provista de un profundo contenido espiritual exige lo mismo, siempre». En este montaje celebrado por Andrés Ibáñez (Sellars reinventa a Purcell), un escritor de honda formación musical, capaz de trasladar a la prosa la misma plasticidad que sin duda ilustra sus dedos cuando interpreta jazz, y que de forma tan grata como inesperada volvió por una noche a escribir crítica de música en ABC; por J. Á Vela del Campo (Oda a una música conmovedora), y hasta por el casi siempre reticente Álvaro del Amo (Capítulos de un melodrama épico), aunque es el que más reparos le pone al montaje (a su juicio habría que someter a la «dramaturgia planteada una nueva dramaturgia»), creo que el Coro y orquesta de la Ópera de Perm merecen más que una entusiasta mención. Todas las críticas elogian la calidad de unas voces que en ningún caso desentonan, que se desenvuelven sin excepciones a una altura admirable (aunque sería de justicia destacar al contratenor coreano Vince Yi como Hunahpú). Creo que en la selección del elenco ha brillado un oído finísimo. La dirección musical del griego Teodor Currentzis es más que sobresaliente. Escribe Ibáñez: «Qué delicia, el rumor arcaico de los archilaúdes, las tiorbas, el salterio…». Pero hay más. Este coro de Perm, con pianos tan sutiles que ponen el vello de punta, me recordó la capacidad de los actores rusos (como en los de aquella prodigiosa versión de La madre que La Taganka trajo a Madrid hace tanto tiempo) para estar permanentemente en escena, es decir, para ser colectivamente, para interpretar de forma conjunta siendo individuos que reman en la misma dirección, como en una revolución tranquila, mineral, que no va a costar ninguna vida, y mucho menos que se derrame una gota de sangre inocente.

 

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Con espectáculos como esta Indian Queen el teatro de la ópera se abre como una magnolia que nos alumbra, bajo el gran árbol de la vida. Un espectáculo total que Peter Sellars nos ofrece con la mezcla de razón y emoción que la música y el teatro son capaces de derramar en el oído cuando el corazón está dispuesto a dejarse arrastrar por la corriente. Entender con la emoción. Una epifanía.

 

 

Fotos: Javier del Real / Teatro Real

 

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